Perder la forma humana

Perder la forma humana plantea una imagen de los años ochenta en América Latina que establece un contrapunto entre los efectos arrasadores de la violencia sobre los cuerpos, y las experiencias radicales de libertad y transformación que impugnaron el orden represivo.

Cuerpos destrozados/cuerpos mutantes. Entre el terror y la fiesta, los materiales reunidos muestran no sólo las secuelas atroces de la desaparición masiva y la masacre bajo regímenes dictatoriales, estados de sitio y guerras internas, sino también los impulsos colectivos por idear modos de vivir en continua revolución.

La exposición señala la aparición múltiple y simultánea de nuevos modos de hacer arte y política en diferentes puntos de América Latina durante los años ochenta. Se presentan los resultados de una investigación en curso impulsada por la Red Conceptualismos del Sur, que, en su primera fase, se ha focalizado en algunos episodios del Cono Sur, Brasil y Perú, con la inclusión de casos puntuales de México, Colombia y Cuba. El lapso histórico considerado se inicia en 1973, año del golpe de Estado de Pinochet en Chile, y se extiende hasta 1994, cuando el Zapatismo inaugura un nuevo ciclo de protestas que refunda el activismo a nivel internacional. Ese período se corresponde con la consolidación del neoliberalismo como una nueva hegemonía, el ocaso de los socialismos reales y la crisis de la izquierda tradicional.

La exposición complejiza este panorama rescatando experiencias que plantearon formas de resistencia a través de soportes precarios como la serigrafía, la performance, el video, la acción poética, el teatro experimental y la arquitectura participativa. Estas prácticas se pueden agrupar en tres núcleos: las políticas visuales impulsadas por movimientos sociales como las Madres de Plaza de Mayo en Argentina y Mujeres por la Vida en Chile; las desobediencias sexuales, que incluyen experiencias de travestismo y corporalidades que impugnan la construcción tradicional de género; la escena underground que, a través de la música, la fiesta y la ética del “hazlo tú mismo”, construyó micromunidades que permitieron recomponer los lazos sociales quebrados por el terror.

Todas estas experiencias llevaron a extraviar la forma humana, tensionando y deformando la concepción humanista de sujeto, y dieron lugar a nuevas subjetividades que pusieron en crisis las formas de existencia conocidas, transformando los modos de entender y hacer política contrahegemónica.

Artistas en la exposición:

3Nós3, Abderhalden, Elías Adasme, Agrupación de Plásticos Jóvenes (APJ), Patricia Alfaro , Alfredo Alonso, Alejandro Amdan, Roberto Amigo, André, Anuro Gauna (Guillermo Giampietro), Archivo Hasenberg – Quaretti, Andrés Arizmendy, Arte al Paso, Artistas del MAS (Movimiento al Socialismo), Aspix, Denise Henriques Assis Trindade, Fernando “Coco” Bedoya, Bernardita Birkner, Luiz Fernando Borges da Fonseca, Marcela Briones, Paulo Bruscky, Rafael Bueno, Maris Bustamante, CADA (Colectivo de Acciones de Arte) (Raúl Zurita; Fernando Balcells; Diamela Eltit; Lotty Rosenfeld; Juan Castillo), Antonio Carlos Callegari, C.A.Pa.Ta.Co (Colectivo de Arte Participativo – Tarifa Común), Héctor Carballo, Becquer Casaballe, Francisco Casas, Centro de Livre Expressão, João Chagas, Colectivo Los Bestias, Lia Colombino, Comunidad de Santa Teresita – Etnia Chiriguano, Mario Sérgio Conti, Pedro Cornejo, Gregorio Cramer, Armando Cristeto, Cucaño , Juan Dávila, Guillermo Deisler, Gerardo Dell’Oro, Horacio Devitt, Wlademir Dias-Pino, Gonzalo Donoso, Luz Donoso, Cynthia Dorneles, Leonhardt Frank Duch, El Marinero Turco, Ricardo Elkind, Emei, Emel, Equipe Bruscky & Santiago, Paz Errázuriz, Ticio Escobar, León Ferrari, Diego Fontanet, Belisáio Franca, Caio França, Gambas al Ajillo, Gang , Daniel García, GAS-TAR (Grupo de Arte Socialista – Taller de Arte Revolucionario), Carlos Gatica, Eduardo Gil, Antonio Gonçalves Filho, Gordoloui (Luis Alfonso), Eduardo Grossman, Grupo Chaclacayo, Alberto Harrigan, Walter Heynowski, E.P.S. Huayco, Roberto Jacoby, Eduardo Kac, Guillermo Kexel, Las Yeguas del Apocalipsis, Pablo Lassansky, Pedro Lemebel, Pedro Lemebel, Carlos Leppe, Alejandro Leroux, Elena Llosa, Guillermo Loiácono, Eduardo Longoni, Marcos López, Kena Lorenzini, Emmanuel Lubezki, Madres de Plaza de Mayo, Oscar Malca, Luís Manetti, Mario Manusia, Mapa Teatro Laboratorio de Artistas, Liliana Maresca, Markito (Marcus Vinicius Resende Gonçalves), Alfredo Márquez, Meire Martins, André Martirani, Ney Matogrosso, Glauco Mattoso, Mónica Mayer, Gianni Mestichelli, Leila Micollis, Marcelo Montecino, Alejandro Montoya, Movimiento 19 de abril, Horacio Mucci, Mujeres por la Vida, Nelson Muñoz Mera, Luis Navarro Vega, Carlos Negro Tirabassi, Ánjeles Negros, No-Grupo, Novissimo, Glexis Novoa, Domingo Ocarranza Bouet, Luisa Fernández Ordóñez, Rubén Ortiz Torres, Álvaro Oyarzún, Clemente Padín, Esteban Pages, Hernán Parada, Sérgio Péo, Pepitito Esquizo (Carlos Ghioldi), Roberto Pera, Antonio Pérez, J. Pérez, Periférico de Objetos (Ana Alvarado, Daniel Veronese, Emilio García Wehbl, Román Lamas, Paula Nátoli), Néstor Perlongher, Gustavo Piccinini, Picun (Roberto Barandalla), Pinochet Boys, Piri, Poetas mateístas, Polvo de Gallina Negra, Dea Pompa, Joan Prim, Olkar Ramírez, Domingo de Ramos, Jaime Rázuri, Richiger, Adrián Rocha Novoa, Herbert Rodríguez, Miguel Ángel Rojas, Rolf y Heidi, Gustavo Romano, Juan Carlos Romero, Karto Romero, Manga Rosa, H. Rosas, Lotty Rosenfeld, Enrique Rosito, Vicente Ruiz, Pablo Salas, Osvaldo Salerno, Daniel Santiago, Gerhard Scheumann, Darío Schvarzstein, Edward Shaw, Lucio Solari, Solidarte/México, Julieta Steimberg, Sylvia Suárez, Taller NN, Alfredo Távara, Bráulio Tavares, Teleanálisis, TIC (Taller de Investigaciones Cinematográficas), TIM (Taller de Investigaciones Musicales), TIT (Taller de Investigaciones Teatrales), Toledo, Carlos Troncoso, Marco Ugarte Atala, Héctor “Puchi” Vázquez, Luis Navarro Vega, Vagner Dante Veloni, Ral Veroni, Enrique Viegas, Horacio Villalobos, Carlos Villoldo, Vitão, VSP (Viajou Sem Passaporte), VV. AA. (post-NN), Enrique Wong, Dani Yako, Tim Yohannan, Sergio Zevallos , Silvio Zuccheri.

Comisariado:

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La cápsula del tiempo

La obra “La cápsula del tiempo de Munich” de Iván Argote y Pauline Bastard forma parte del proyecto “A space called public”, organizado por el departamento de artes y cultura de la alcaldía de Munich, entre enero y septiembre de 2013. La curaduría del evento es realizada por el dúo de artistas Elmgreen y Dragset, compuesto por el artista danés Michael Elmgreen y el noruego Ingar Dragset.

La cápsula del tiempo es una invitación de los artistas para que los habitantes de la ciudad envíen un mensaje hacia el futuro, que serán conservados durante cien años y posteriormente divulgados en una exposición a realizar en 2113.

El texto de la invitación

Envíe un mensaje al futuro !

Estimado Muniquense,

Estamos creando una cápsula del tiempo para la ciudad de Munich y quisiéramos invitarle para que envíe un mensaje hacia el futuro, lo que usted quiera, deseos, esperanzas, recuerdos.

Usted puede participar enviando algo: un texto corto, un dibujo, una fotografía, una carta postal, un objeto pequeño (tenga en cuenta que debe caber en un sobre).

Los envíos serán reunidos y sellados en una gran piedra.

Sus mensajes estarán seguros durante cien años y serán presentados en una exhibición en 2113.

Aceptamos su respuesta desde ahora hasta el 19 de septiembre de 2013.

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The Value of Absence

Kunsthalle Basel is pleased to present The Value of Absence, the first institutional solo exhibition by the Cuban artist Adrian Melis.

The main subjects in the works by the Havana-born artist, who has been based in Barcelona since 2010, are workers without work, both in the socialist and capitalist economy. It is they who make possible Melis’ work as an artist.
Melis’ early projects have been concerned with the working conditions and the employees’ slack attitude towards work in the state-run enterprises in Cuba. A lack of motivation and indifference towards work tasks are common symptoms indicating the lack or loss of identification with a given political and economic system. Normally, such identification depends on the personal commitment of an individual, involving a belief in or acceptance of the ideology supporting that system. The general non-productivity, which is typical in many of Cuba’s factories, becomes the starting point for Melis’ observations, leading to his involvement in the “co-production” of paradoxical situations and activities that tap into the workers’ regular daily routines. This part of his work involves negotiation of forms of the workers’ participation as performers or providers of specific services or products. In exhibitions, Melis shows the results of his investigation of labour as videos, photographs, or installations. Various forms of complicity and clandestine alliance amongst the workers – at times also involving the artist – play an important part in these projects in which manifestations of nonconformity occur as soft opposition to administrative, institutional opportunism.

Thus, in his Production Plan of Dreams for State-run Companies in Cuba (2010-2012), the artist asked workers in Cuban companies, which he describes as “especially susceptible to deficient productivity”, to write down their dreams which they “produced” when falling asleep during working hours. Together with a series of photographs documenting the project and its pro-tagonists, the texts and drawings of the workers are contained in small wooden boxes and dis-played as an archive. The workers, who in their official, actual employment are unproductive, become active as dreamers and as a result contribute to another, artist-organised form of pro-duction.

In more recent projects, Melis engages with the current financial and economic situation in Spain. Here, the focus is on the bare existential meaning of work as source of income in the neo-liberal economies in Europe. For the installation The Best Effort (2013), which will be on view for the first time at Kunsthalle Basel, the artist has initiated an advertising campaign in Spain for a job in Switzerland. Each incoming call from a job seeker to a telephone number given by Melis will result in an excerpt from a speech by Spain’s Prime Minister Mariano Rajoy being played back in the exhibition space. The Prime Minister gave this speech on the 4th of November 2012, announcing the creation of 5 million new jobs.

In The Value of Absence, Adrian Melis, who in 2011 participated in the two subsequent group exhibitions How to Work and How to Work (More for) Less at Kunsthalle Basel, explores two opposing economic systems, and their drastic differences in the social value of work. While the projects in the first part of the exhibition investigate the meaning of work in the state-run com-panies of Cuba, where work is considered little more than a pastime, the artist’s projects evolving around the problem of unemployment in Spain highlight the connection between the economic and the symbolic value of work, while putting an emphasis on the dramatic conse-quences of the lack of work for any human being.

The exhibition is supported by the artEDU Stiftung.

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Adrian Melis, (born 1985 in Havanna, Cuba) lives and works in Barcelona, Spain. From 2005-2010, he studied at the Instituto de Arte (I.S.A.) in Cuba and graduated with the Graduado de la Catedra de Arte Conducta with Tania Bruguera in 2009. In 2012 Adrian Melis was awarded with the GAC Award presented in the Museu d’Art Contemporani for the best exhibition of a young artist.

Solo exhibitions (selection): Nuevas estructuras de producción, ADN Galeria, Barcelona (2012); MAS Santander, Santander, Spain (2012).

Group exhibitions (selection): ARCO Fair, Madrid, Spain (2013); EspaiDos, Terrasa, Spain(2013); Casa Solleric, Fundació Palma, Espai d´Art, Palma de Mallorca, Spain (2013); Arte40 Prize, selected artists. c arte c, Centro Arte Complutense, Universidad Complutense de Madrid, Spain (2012); Arte Útil, curated by Tania Bruguera y DEMOCRACIA Off Limits, Madrid, Spain (2011); Experience Pommery #9 – La Fabrique sonore, Domaine Pommery, Reims, France (2011); Auditorium Moscow. A Sketch for a Public Space, Belie Palaty, Prechistenka 1, Moskow, Russia (2011); Somewhere Else, curated by Direlia Lazo, galeria Noguerasblanchard, Barcelona, Spain (2011); Swab, ADN Galeria, Barcelona, Spain (2011); LOOP, ADN Galeria, Barcelona, Spain (2011); How to Work (More for) Less, Kunsthalle Basel, Switzerland (2011); How to Work, Kunsthalle Basel, Switzerland (2011).

Baitagogo

View of the exhibition "Henrique Oliveira. Baitogogo", in "Nouvelles vagues" (21.06.13 - 09.09.13), Palais de Tokyo, Paris. Henrique Oliveira, Baitogogo, 2013, Courtesy of the artist, of the Galeria Millan, São Paulo, and of the Galerie GP&N Vallois, Paris Production SAM Art Projects Photo: André Morin.

La obra “Baitagogo” del artista brasilero Henrique Oliveira se presenta en el Palais de Tokyo desde el 21 de junio de 2013 y de manera indefinida.

Tomando la forma de pinturas, esculturas o instalaciones, el arte híbrido de Henrique Oliveira convoca al mismo tiempo lo urbano y lo vegetal, lo orgánico y lo estructural, e incluso al arte y la ciencia a través de composiciones en las que lo insólito le imprime al universo un tinte fantástico. Oliveira utiliza materiales provenientes del contexto urbano brasileño, como es el caso de la madera “tapumes” que proviene de las pequeñas barreras construidas para bloquear el acceso a las zonas de construcción en las grandes ciudades.

En Baitagogo, Henrique Oliveira parte de la estructura del Palais de Tokyo, prolongando y multiplicando los pilares afin de agregarle una dimensión orgánica y vegetal, como si el edificio tomara vida. El motivo central de esta instalación evoca una sinápsis, un vínculo entre la arquitectura normativa y una forma vegetal que pareciera apoderarse de aquella.

Curaduría de Marc Bembekoff.

Esta exposición es producida por SAM Art Projects en colaboración con la constructora Bouygues, bajo el auspicio de la galería Millán (São Paulo), y la galería Georges-Philippe & Nathalie Vallois (París).

Nota : Este texto es una traducción de la presentación original

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Imagine Brazil

Astrup Fearnley Museet presents, Imagine Brazil, an exhibition of Brazilian contemporary art, with a particular focus on the young, emerging art scene.

After extensive research, the curators have selected 14 young artists of international significance who are important representatives of the vibrant emerging art scene in Brazil. In order to situate their work in a historical context, each was asked to choose an older artist whom they consider important for Brazilian contemporary art or for their own work, for presentation in an exhibition within the exhibition.

The selected young artists are proposing new artistic languages in order to develop urgent subject matter. They have dived into the multitude of possible media offered by conceptually based works, including painting, sculpture, installation, photography, video and music, using a variety of languages, complex research and experimentation with words, materials and structures to embody their ideas. They also show a strong awareness of social engagement and issues related to political and environmental problems, without ever neglecting the formal aspects that give the work of art its visual impact and originality.

Participating artists: Arrigo Barnabé, J. Borges, Sofia Borges, Rodrigo Cass, Adriano Costa, Jonathas de Andrade, Deyson Gilbert, Fernanda Gomes, Marcellvs L, Milton Machado, Montez Magno, Cinthia Marcelle, Maria Martins, Thiago Martins de Melo, Rodrigo Matheus, Cildo Meireles, Pedro Moraleida, Paulo Nazareth, Rivane Neuenschwander, Paulo Nimer Pjota, Sara Ramo, Mayana Redin, Gustavo Speridião, Tunga, Adriana Varejão, Caetano Veloso and Carlos Zilio.

Artist’s Books

As another exhibition within the exhibition, there is also a presentation of artist’s books – a collaborative art form that has always played an important role in Brazil. Curators of this section are Jacopo Crivelli Visconti and Ana Luiza Fonseca.

Participating artists: Marlon de Azambuja, Chiara Banfi, Artur Barrio, Debora Bolsoni, Waltercio Caldas, Felipe Cohen, Marilá Dardot, Detanico/Lain, Ana Luiza Dias Batista, Marcius Galan, João Loureiro, Milton Marques, Lucia Mindlin, Leya Mira Brander, Fabio Morais, Carlos Nunes, Nicolás Robbio, Lucas Simoes, Gustavo Speridião.

Catalogue

Each of the artists whose work is featured in the show is introduced by a text on their work. However, since this selection of artists provides only a partial glimpse of Brazil’s rich and complex artistic landscape, the catalogue attempts to present a fuller picture. The Brazilian art scene is introduced by curator and art critic Kiki Mazzucchelli, who is based in London and provide an outsider ́s perspective of the art scene. In order to convey the many variable art scenes across the country’s different regions, specific overviews of the cultural activities in the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, as well as Brazil’s five regions from north to south, east to west, are presented in separate texts by seven different authors. The catalogue is designed by Rune Døli.

Curators: Gunnar B. Kvaran, Director Astrup Fearnley Museet; Hans Ulrich Obrist, Co-Director

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